ぼくはシネマしぇん！

＃52『シュガー・ラッシュ：オンライン』

Fri, 21 Dec 2018 13:14:53 +0900

前作で大親友になったラルフとヴァネロペちゃん。それから現実と同じく六年の月日が流れても二人は変わらず仲良くゲームの世界で暴れていました。しかし「シュガー・ラッシュ」のコントローラーが壊れたことにより存続の危機が訪れます。その解決のカギは無限に広がる世界、インターネットの世界にありました…

ネタバレ前提のレビューです。観賞後に読まれることをオススメします。

■インターネットの世界のヴィジュアル

■物語の繋げ方について

■ディズニープリンセス達が敷いたコース

■インターネット世界のヴィジュアル

今作の魅力はいくつもありますがまずは映像描写について触れておいた方がいいでしょう。前作『シュガー・ラッシュ』ではゲームの住民たちの世界を描写していました。延長コードがまるでターミナルのようになっていて、各ゲームの世界に行き来できるというアイデアを映像で見せる驚きがありました。今作では更にインターネットの世界の内側を映像化するという試みを行っています。この点は前作同様私たちが日常で見ているものの裏側の世界を描くというものに共通しています。ちなみに当初の予定ではディズニーのゲーム「ディズニー・インフィニティ」の世界にラルフとヴァネロペが行くというものでしたが、インターネットの世界を描くという方が挑戦的で、尚且つ前作で試みたことの一歩先を行っているので結果こちらの方が良かったと私は思います。

同時にインターネットの世界の描写にはディズニー映画『インサイド・ヘッド』の影響もあると思います。こちらの作品も同様誰もが知っている（感情や思考や記憶）のに映像として見たことのない世界を舞台にしていることと、その世界の構造がしっかりと物語上にしっかりと重要な要素として機能している事も共通しているので、恐らく参考にしたと思います。その点については次の章で解説します。

このように私たちが現実で知覚しているものを違った手法を用いて再構築するというのはアニメーションが潜在的に秘めている可能性でありディズニー映画が一番最初からずっと行ってきたことです。『白雪姫』では童話を、『ファンタジア』では音楽を、『トイ・ストーリー』ではオモチャの世界をアニメーションによってヴィジュアライズしてきました。その流れで『シュガー・ラッシュ』シリーズでは一作でゲーム、今作でインターネットの世界をアニメで描くことに挑んでいます。

実は『シュガー・ラッシュオンライン』のようにインターネットの世界を舞台にした物語は過去にあります。それは『マトリックス』のことではなく、『FUTURAMA』というアニメの一エピソード「A Bicyclops Built for Two」です。

このエピソードの最初に登場人物たちがインターネットの世界に直接行くことができることになったので、早速訪れると最初に目の前に広がっていたのは辺り一面の「広告」でした。そして彼らが次々と主人公たちに襲い掛かってきます。「広告」の襲撃から逃れると、その先にはインターネットの大都市が広がっていました。このインターネット世界の描写はお話の導入部なのでほんの数分なのですが、『シュガー・ラッシュオンライン』以上にインターネット世界の本質をついています。なぜならアダルトなネタがたくさんあるからです。しかも直接見せるわけではなく、非常に上手いやり方で楽しませてくれます。ちなみにこのエピソードは後にエミー賞の一部門を受賞しました。

これは『シュガー・ラッシュオンライン』では踏み込めなかった要素でしたね。キャスおばさんを怪しげな広告に使うということで攻めてはいましたが、さすがに子供の観賞も想定にしているためにどぎついネタはできませんでしたね。

ちなみにこの『FUTURAMA』のSupervising Directorは『シュガー・ラッシュオンライン』の共同監督の一人で、『シュガー・ラッシュ』の監督であるリッチ・ムーアです。前作でも実は『FUTURAMA』の引用がありましたが、それは『シュガー・ラッシュ』のレビューをご覧になって下さい。

http://www.hyuga.jp/blog/view/cinema/861

■物語の転ばし方について

次に物語の運び方について。

当初のこの映画の目的はゲーム機「シュガー・ラッシュ」の壊れたコントローラーハンドルをインターネットの世界で探し出すというものです。eBayで見つけた二人は意味も分からずまま競り落とすことができましたが一銭も持ち合わせていない為24時間以内に購入資金を稼がないといけないのですが、ここの「27,001ドル」という金額の設定が上手いですね。

映画やドラマに触れている人ならここで「ははん、あとできっとこの一ドル足りないことで波乱が起きるんだろうな」と予想すると思います。

しかし、そんなことは全く起きず、ラルフはユーチューバーとして目標金額を軽く超えます。ただ、その一方でヴァネロペちゃんはディズニープリンセス達の部屋を訪れ、プリンセストークを繰り広げている中で「空からの光が貴方を照らし、水面に反射（リフレクション）する自分の姿を見つめる時、詩を歌うのよ」と助言されます。

このシーンは別の意味を含んでいるのですが、それは後に回します。

ここから当初の目的だった「シュガー・ラッシュ」の世界を救うという目的が大きく変わります。物質的なお宝を求める話から、内面的な話に移行していきます。

この映画はインターネットという世界を舞台にしているので多くのネット文化からのネタの引用が次々と登場していきます。様々なアプリやユーチューバー、しまいにはダイヤルアップ回線からダークウェブとネット世界の始まりから闇の世界まで画面に登場します。それらを矢継ぎ早にバンバンぶっこんでくるのを味わうだけでも楽しいのですが、それに加えてディズニーネタまで被せてくるので大忙しです。

ただ、それらが単なるギャグのネタに留まらず、ちゃんと物語上に必然的な要素として絡ませる方が非常に上手かったです。コンピューターウイルスを手に入れるためにダークウェブの世界に行くことも理にかなっていますし、何よりヴァネロペちゃんがディズニープリンセス達との会話をして自分のこれからの生き方を思索し始めるところも説得力がありましたね。

ヴァネロペが現状の変化のない生活に漠然とした不安を抱いているのは冒頭でしっかりと描かれていましたし、それを瞬間的にではありますがラルフが新しいコースを力技で作り上げることによって解消された事と、映画の後半ではヴァネロペの新しい世界への挑戦の前に立ちはだかるのが同じくラルフであるという構成が見事でした。

ラルフがヴァネロペを遠く離れた危険で自分の手が届かない世界に送り出すことへの悩みが彼女の安全のためなのか、それともずっと続いてほしいと思う日常を保つためなのかがわからないままコンピューターウイルスによって彼の意識が増幅してコントロールできなくなる様子も象徴的でお見事でした。しかもラルフのキャラクター造形の元ネタであるドンキーコングの元ネタである『キング・コング』へのオマージュも差し込んでくるこの巧さ！

物語の結末では二人は別々の世界で生活をしてゆくことになりますが、時折電話をして直接会えない寂しさを埋め合わせている様子は多くの人々の琴線に触れると思います。

違う中学校や高校に進学してしまった友達、

地元から遠く離れた街へ旅立ってしまった親友、

親元を離れ独り立ちしようとする子どもの姿、

などとラルフとヴァネロペの姿は重なります。

自分の求める道を歩む時に背負う寂しさと、その背中を見送る切なさ。この映画は「別れは決して終わりではない」ことを幾度も思い出させてくれて、別れの季節に人々に寄り添う楽しくも優しい映画になっていると思います。

■ディズニープリンセス達が敷いたコース

予告編通り映画内でもディズニープリンセスが一堂に会するシーンがありました。私は事前に予告でそのシーンを観た瞬間からこれはディズニープリンセス映画を観直しておいた方がいいなと思い、記憶が不鮮明だった映画を観直していました。これは正解でしたね。

各プリンセスが自分の能力や武器、特徴をうまく使ってラルフを助けるシーンが何倍も楽しくなるのはもちろんなのですが、この映画は絶対にある事に言及するだろうからです。

それはディズニープリンセスの定義についてです。

ディズニー映画は自分たちの作った過去作品に対して非常に強い意識を抱えながら最新作を作る傾向があります。それは『リトル・マーメイド』のアリエルによって『白雪姫』『シンデレラ』『眠れる森の美女』のプリンセス達とは違って自らの願いへ能動的に行動する女性を描きました。親からの反抗というカウンターカルチャーも添えてね。

アリエルというキャラクターは過去のディズニープリンセス像からの解放の役割を果たしたプリンセスです。その後に『美女と野獣』のベル、『アラジン』のジャスミンと続きます。前者ではプリンセスが男性を成長させる役割を果たし、後者では基本的にアリエルと共通して生まれもった定めからの解放を描いていますが初のヨーロッパ圏ではないプリンセスという点で画期的でした。

ただ、どの作品も結局はプリンスと結ばれてハッピーエンドというものからは解放されませんでした。それをひっくり返したのが『ポカポンタス』と『ムーラン』でした。

『ポカポンタス』は史実を大幅に捻じ曲げたことによって複雑な評価になってしまいましたが、根本にはディズニープリンセス像を拡げたかったのだと思います。しかし次の『ムーラン』にて革新的なことが起きます。

ムーランはディズニープリンセスの中でかなり異質な存在です。なぜなら高貴な血を引いてもいないし、王族と結婚どころか恋にも落ちていません。そして最も他のプリンセスと異なる点、それはディズニープリンセス史上初めての実存主義者ということです。

彼女は作中で歌う「リフレクション」の中で鏡に映る自分を見ても他人のように思えると吐露します。両親が望む良き妻になれないことに哀しみつつ、本当の私とは何か？を池やお墓に反射する自分の姿に問いかけることを止められない。その後に自分とは何か、何者なのか、を探す旅にでます。彼女が男装して戦地に赴くのは年老いた父を行かせない為ではありますがそれはあくまでキッカケで、根底には自分とは何かを社会的役割や女性であるからというものから離れた所にあるのかもしれないという彼女の内的動機が秘められています。

『ムーラン』の後のプリンセス（海外ではディズニーリバイバル期と呼ばれています。これは現在進行形です）になると『魔法にかけられて』のジゼルから過去のディズニープリンセスの定義を如実にひっくり返したり、逆手にとってギャグにしたりする動きが強まりそれが繰り返し行われます。それでいて、プリンスが登場しない作品（『メリダとおそろしの森』のメリダ）やパートナーの男性と行動しても恋愛関係に少しも発展しない（『モアナと伝説の海』のモアナとマウイ）作品が次々と新しいディズニー像を作り上げていきます。ただ、最も上手いディズニープリンセスへの再考は『ムーラン』の中の「リフレクション」であり、未だ到達できないレベルだと思います。

ちなみに「Reflection」という単語には「深く熟考する」という意味もあります。『シュガー・ラッシュオンライン』で言及されている通り水面に反射する姿を見ながら歌うことをヴァネロペは勧められますが（原語版ではその時にムーランがヴァネロペにむかって“reflection”という言葉を投げかけています）、これは『白雪姫』が井戸の水に反射する姿を見ながら歌っていたことを指していますが、実は『ムーラン』の「リフレクション」もその文脈に基づいています。しかしその歌詞の内容は「いつか王子様が」というまだ訪れていない幸せや夢を望むのではなく「私とは何か」と綴る哲学的な問いかけを何も答えてくれない反射する自分の姿に投げかけるものになっています。

『シュガー・ラッシュオンライン』でも水面に反射する姿を見て唄い出すシーンがありますが、それが泥水だというギャグになっていますが、その裏には『白雪姫』『ムーラン』が作り上げた文脈があります。その道をなぞって唄い、ヴァネロペは「スローター・レース」に自分の居場所を見出します。

■最後のひと言

『シュガー・ラッシュオンライン』のヴァネロペが思い悩む問題はムーランが抱えた問題に比べては正直弱いのですが、確かに彼女もディズニープリンセスが敷いてきたコースの上を走り、彼女たちが到達した地点とは違ったゴールへと進もうとした女性であることが描かれています。ただ着地点は過剰に気張ったものではなく、自らの力を違った世界で試してみたいという男女問わず多くの人が共感するものになっています。

ヴァネロペは目標とする人物としてではなく、自分の選んだ道を進む時に寄り添ってくれるようなプリンセスになって、「シュガー・ラッシュ」よりも「スローター・レース」よりも、もっと複雑で、難しい、だけれども様々な景色が広がる人生のレースを私達と共に走ってくれるプレイヤーになってくれるでしょう。

#51『レゴバットマンザ・ムービー』

Sat, 23 Dec 2017 13:10:20 +0900

超ヒット作『レゴムービー』のスピンオフ作品。今度はバットマンを中心に置いてスーパーヒーロー映画をレゴでご覧いただけます。だけど前作同様一筋縄ではいかないね。楽しくも、どこか寂しく、そしてとっても優しい個人的2017年のベストムービー。

◼寂しくない人などいようか

2014年の『レゴムービー』があまりにも傑作で、その年のベストにも選んだ為、その流れで作られた今作の発表には嬉しさと同時に少し不安もありました。二匹目のドジョウを狙いにいってるだけの作品なんじゃなかろうか、と。

けれど全くの杞憂でした。バットマンをレゴの世界で描くだけの奇をてらった作品なんかではなく、レゴそのものの特色である解体と構築によるバットマンへの解釈をストーリーに盛り込む見事さ、尚且つ『レゴムービー』で私が大好きだった要素がたくさん残っていました。

まず、勧善懲悪ではないことが素晴らしいです。

前作『レゴムービー』では善玉と悪玉という役割を担ったキャラクターが明確に描き分けられ、物語の3分の2ぐらいまではそのテイストで楽しく進んでいきますが、そこから映画史上極めて珍しいツイストにより、悪役をやっつける、とう目的から離れ、もっと大きなテーマへと移行して行く流れは非常に見事でした。

今作『レゴバットマンザムービー』でもバットマンと、彼に敵対するジョーカーの二人によって善玉と悪玉という構図は『レゴムービー』以上にわかりやすく提示されます。

しかし物語の3分の2ぐらいでバットマンがファントムゾーンに送られた際、白色のレゴブロック：フィリスから「あなたは悪いやつじゃないね…けどいい人でもない」と言われ、バットマンが善玉であるという構図が揺らぎます。

そして映画の終盤、ジョーカーと悪役のオールスター達が街をメチャクチャにしゴッサムシティが崩壊しようとする時、バットマンがついにジョーカーの気持ちに応えます。「お前が必要だ」と。そこでジョーカーは満ち足りた気持ちになって、これからも仲良く喧嘩するために手と手を取り合う展開になります。

ジョーカーの目的は今作ではゴッサムシティの混沌ではなく、好敵手から認められることだったのです。特別な人から特別と思われたいだけなんですね。

では今作のバットマンが心の底ではない求めていた目的は何か。

バットマンはいくらゴッサムシティの脅威となる悪役をいくら退治しても満たされることなく、悪役がいなくなったらいなくなっても心の隙間は埋まらない。

つまり、今作ではゴッサムシティを悪の軍団から守るが第一ではなく、バットマンの心を満たすことであるのが最大の目的なんです。善と悪という構図ではなく、善側のバットマンも、悪玉のジョーカーも、寂しい気持ちを埋めるために動いている。

今作品はギャグやノリが良くてとても楽しい映画ですが、根底には人は誰もが寂しい、という弱さを描いているところが素敵です。これは誰にでも共感できる感情だから、嘘をつけない心の叫びだからこそ、例えレゴのキャラクターで、しかもスーパーヒーロー達の話であってもぐっと側に感じられる内容なんです。

ちなみに、私がこの映画を観ていて序盤で心を掴まれたシーンはバットマンがレンジでチンをしているシーンです。ロブスターが温まるまでの間、バットマンがレンジの前で待っていますが、彼の後ろで部屋の壁に映る影が左に右にと動いているんです。つまり、彼は暗闇の中にいても、影につきまとわれている寂しい男とであることが示唆されているんです。

◼ハッピーエンディング

善と悪という構図が途中から崩れる所も『レゴムービー』と共通していますが、もう一つ決着のつけ方も似ています。

それは"善玉も悪役も幸せな気持ちになって終わる"ということです。

『レゴムービー』では敵の親玉であるお仕事大王が象徴していた父親と最後レゴでスクラップ＆ビルドをして遊び、創造することは最ッ高なんだというメッセージを非常に上手く描いていました。

『レゴバットマンザムービー』でも敵であるジョーカーがバットマンからしっかりと力強く目を見つめながら「お前が嫌いだ」と言われることによって心に抱いていた寂しさが解消されます（ちなみに、フィリスが地上にやってきた際にジョーカーがメチャクチャ可愛い笑顔で手を振っているのが確認できますが超萌ポイントです）。

一方、主人公であるバットマンも家族ロビンや共に闘う仲間達とウェイン邸で楽しそうな日常を送っている姿が描かれて映画の幕は終わります。

超金持ちで、凄腕の探偵であり、憧れのヒーローと多くの人々から感謝され讃えられていても埋まらなかったスキマを埋めてくれたのは、家で一緒にご飯を食べて、映画を見ながら突っ込みをいれてくる人がすぐ側にいてくれることだった、というメッセージが素朴で単純。なんだけど、いい。

主人公も敵もハッピーエンドで終わる。お互いが求めていたものがしっかりと得られて、尚且つそれが不自然ではない。

これは中々ないですよ。非常に珍しい終わらせ方です。

勧善懲悪の構図から離れても観客の心を満足させ、それぞれのキャラクター達をハッピーエンドへと導かせる物語なんて「なんて優しい映画なんだろう」と涙が出ましたよ。

◼もしかしたら…

さて、この映画は『レゴムービー』のスピンオフであることを見事に活かしたさり気ない仕掛けがあります。ひょっとしたらこっちの考え過ぎかもしれませんが、どこか信じてみたくなる仮説。

それは、この物語は『レゴムービー』でレゴを作って遊んでいた家族達が作り描いたお話だという説です。

この仮説を裏付ける要素は三つ。

まず一つ目、ゴッサムシティの地殻です。

この地殻は二本の柱の上に置かれた薄い板の上にゴッサムシティがあると説明があり、真ん中を破壊されるとバランスが崩れ奈落に落ちることがニュースで説明されます。そんな地殻あってたまるか！しかし、ある場所ならばこの理屈は通るんです。それはテーブルの上です。ゴッサムシティの下にある地殻は我々が日常で使うテーブルの形と一緒なんです。これがまず一つ。

二つ目、指紋です。

『レゴムービー』同様作中に登場するレゴブロックに指紋がついているのが確認できます。『レゴムービー』ではレゴの世界は人がレゴを使って作り上げたファンタジーの世界だという事を指紋によって示唆されていました。つまり、指紋によってレゴで描かれている世界は我々人がレゴを使って描いている空想であることの繋がりとしてもちいられていたので、それは今作でも同じことを示唆していると考える事ができます。また、地殻が崩壊するとどうなるのかをテレビで説明している際、奈落の底に落ちていく人物は『レゴムービー』の主人公エメットです。

三つ目は蛇ピエロです。

この蛇ピエロという発想がレゴバットマンの世界ではかなり異質です。急に湧いて出たような感じ。これは『レゴムービー』の最後の最後に登場した小さい妹が作り上げたレゴのキャラクターなんじゃないかなって思うんです。今作では蛇ピエロが画面に出るタイミングが同じく最後の最後ですからね。

前作同様、レゴはあくまで子供の想像力に翼をくっつけるオモチャであることをしっかりと掴んでいることを『レゴバットマンザムービー』からも感じ取れるんです。

■最後のひと言

今作が私の2017年のベストにしたのは大体以上の理由です。

他にもジョーカーが子犬みたいに可愛いことや、バットマンがいるから多くの悪役が生まれるんだというアニメシリーズ版『バットマン』でも取り上げていたテーマを上手く盛り込んでいたりと感心しっぱなしでした。

バットマンとは何かを至極真面目に考えているんだけど、コメディで包み込んで描き、バットマンにとっての幸せとは何か？を考えつつ、敵であるジョーカーにもそのおすそ分けをプレゼントしています。

半世紀以上も愛されたキャラクターに幸せな結末を与え、

勧善懲悪を超えた誰しも抱える“寂しい気持ち”への共鳴、

そして子供の想像力にも寄り添おうとするレゴの世界自体のコンセプトを忍ばせている。

これらのブロックがしっかりと繋がりあって、見事な映像作品として成立しています。

2017年も多くの良い映画を観ましたが、これほどまでに多彩な色を放つハッピーエンドを描き、とても一言では言い表せない満足感と幸福感を頭一杯に与えてくれたのはダントツでこの作品『レゴバットマンザムービー』でした。

私がこの年を振り返る時に、一つのブロックとしてきっと存在するであろう映画です。

#50『KUBO/クボ二本の弦の秘密』

Sun, 03 Dec 2017 18:46:56 +0900

日本文化への尊敬の意に溢れた全く新しい昔話を世界最高峰のストップモーションアニメーションで描かれるライカ発の冒険活劇の楽しい映画！かと思いきや…中心には物語ることに対しての想いを散りばめられた快作。

※ネタバレ注意。観賞後にどうぞ。

■めでたしめでたしを探す物語

今作の予告も見なかったのでポスターのヴィジュアルイメージからストップモーションによる冒険絵巻なんだろうな、という印象だけで観に行ったら仰天しました。

もはやここまできちゃったのかと口があんぐり、目が大喜びの卓越した映像と、三種の伝説の武具を探し、敵を倒すという単純明快ながらもそこに家族のきずなをしっかり織り込んだストーリーというこの二つだけでも十分おつりがくるほどの満足な作品なのに、物語の途中からとんでもなく大きなものをぶち込んできましたね。

それは物語ること自体への問いかけです。

私はこのようなことを問いかける物語が大好物でしてね。まさか、ここでもお目にかかれるとはね。

恐らく、この映画は現在進行形の作品ではありません。この映画はクボとサル、クワガタの冒険を追っていますが、恐らくそれはもう終わってしまった後の話です。なぜならこの映画はクボのナレーションから始まり、彼の「おしまい」とう言葉で幕を閉じます。

これはクボが誰かに物語っている話を聞いた誰かのイメージ映像なのだと思います。元となった冒険の話がどこまで本当なのか、そもそもクボが魔法を使えたのかもわからない。ただ、根本には現実に起こった現実や現象があって、そこに想像力の魔法を振りかけた物語を語っているのではないかと。

この物語は結末がなかった物語のめでたしめでたしを探す旅路でもありました。心の壊れそうな母から聞かされた途中の御話を幸せな結末までいざなってあげるクボの冒険の旅だった。

映画の結末ではお盆で母と父に挟まれたクボの姿を映して「おしまい」となるが、ここで終わったの「母」が途中までしか話せなかったお話をクボが一緒に終わらせてあげたのでしょう。台詞でもはっきり「そして、僕たちはこの物語を終わらせるだろう、一緒にね」と述べている。母親だけでは終わらせられなかった物語を一緒に終わらせたことへの安堵。

そして作中サルによってこうも語られている。「一つの物語の終わりは、もう一つの物語の始まりに過ぎない」と（それを折り紙で例える雅さよ！生まれ変わりをこう表現したものか！）。

これから、本当のクボの物語が始まるんだろうな、と始まりを感じさせる見事な「おしまい」でした。

■文化を用いた隠された伏線

この映画では様々な日本文化特有のものが出てきます。折り紙、三味線、富士山に似た山やがしゃどくろ等がキャラクターを特徴付けたり、はたまた物語の重大なキーだったり、さり気なく映したりと。

異国から見た日本の姿を背景として設定する。このような映画はたくさんあるし、そこに私たち日本人との認識のズレにより違和感が生じるのは否めないし、それも一つの味としてある程度までは享受するものかなと私は考えます。

しかし『KUBO』を観ていて、作り手達は日本の文化を単なる「映画に物珍しさを加えるスパイス」ではなく、しっかりと物語を織り成す大事な糸である事が細かい所で感じました。それは伏線です。

まず、クボがお盆でお父さんへの灯籠を作るも火が灯らないことに失望するシーン。この時、何故灯りがともる事がなかったのか。それはまだ父親が生きているからです。お盆は死者を迎え、見送る日本版の死者との祭り行事であるという根っこを掴まないと出てこない上手い伏線です。

もう一つは、ふすまです。

クボの父親がいた屋敷に到着した際、ふすまに描かれたクボと両親の絵が映ります。そして、このふすまはクボと、両親を引き離すように開きます。これは後の戦いによって引き裂かれる運命を示唆しているのでしょう。

昔聞いた話ですが、海外の人はふすまという建設様式を不思議に、そして面白く感じるそうです。なんでも横に動くことによってアスペクト比が変わるのが何とも素敵だ、とのこと。映像でもふすまというのが出てくると、どこかカメラマンの本能をくすぐるのか面白い見せ方をしようとするケースが多いように見受けられます。そこまではよくある。画面比が変わることの、奥行きのある空間をパッと映し出す映像的面白さを使いたくなるのは至極当然。

だけど、クボでは敢えてそのふすまに描かれている絵と、真ん中から分かれる仕組みも使って何か映画的要素を付加できないか、と考えてあの伏線を描いたのではないかと思います。

ライカの映画を観るとストップモーションのあまりの見事さに酔いしれてしまいますが、ちゃんと映像で語ることに対しても素晴らしい水準で向き合っている事を感じます。

■語りだす痕

この映画の登場人物は顔に何かしらの跡があります。クボは左眼、母は左目に傷、父であるビートルは実は歯が欠けています。ちなみにサルも右目の下に傷がありますし、お守りにもあります。そして、物語の後半ではクボの右頬に新たな傷が生じています。普通のアニメーションだと怪我をしても後々のシーンではいつの間にか治っていることが普通なのにも関わらず、クボの傷痕は残ったままです。

この辺りはかなり勝手な推測になりますが、これらの顔に遺された痕跡もまた、三味線での唄や伝承などと同様ストーリーを語らせる道具の一つとして描かれているのではないか、と思うのです。ただし、これは耳ではなく、目から送り込まれる情報としてです。

『ジョーズ』では身体に遺った傷痕ができた理由を話して競う場面があります。タトゥーは元々その人物の地位や身分、功績や結婚の有無を表したりするものでもありました。

身体に痕を残すことはその人が生きたことを刻むことでもあるのです。その人の歴史、背景、過去のかけらが否応なしに描かれるのです。

逆に今作でクボ達が立ち向かう側のキャラクターの顔には傷が見えない。闇の姉妹は仮面で素顔を隠しており、月の帝は綺麗な顔をしています（盲目のふりをしていましたが）。

しかし、月の帝はクボとの戦いのうちで右目のあたりに傷を負います。そして彼が人間の姿になった時にもその傷痕は残っています。彼もまた顔に何かを残したことによってもクボ達側の人物として迎え入れられるのではないかと思うのです。

エドナ・ファーバーという女性作家が書いた“So Big”という小説の中で、痕一つつかないような人の顔についてハッとさせる一節があります。

「志をとげようとして苦闘して来た人にはなにかある…（－中略－）…闘って、もがいて、貫き通したのなら…そうよ、その戦いは今日のあなたの顔、目とか顎とか手に、表れているわよ。いい、けちをつけているんじゃないのよ。けどあなた、まるで…すべすべだもの…」。

■最後のひと言

この映画を観終わり、反芻をしていた時にふと思い浮かべた映画がありました。それはデイヴィッド・リーン監督作『ドクトル・ジバゴ』です。どこかこの作品と共通しているな、と。

親から引き継いだ楽器があり、綴る喜びがキーになる。そして最後に残るは子供と紡がれた詩のみ。主人公ユーリが過酷な歴史の渦に巻き込まれながらもこの世に残した子供と詩がこれからの希望であることを示唆して物語終わります。

生き物の目的は子孫を残すことである、と言われています。

確かにそれはそうでしょう。人間も勿論しかり。子供を作り、育て上げることが誤っているなんてことはないでしょう。

言い換えると、生物は自分がこの世に生きた痕を残したいんだと思います。

だけど、私は人間だけは違った方法でもそれを行うことができる。

それは物語ることです。

思い出や、出来事や、感情を言葉にのせて誰かに伝える。唄であり、詩であり、物語でありと、様々な方法を私たちは持っている。これは言葉を操れる人間だけが持ちうる力。子供をつくること以外で自分の生きた証をこの世に刻むことのできる能力です。ありとあらゆる芸術の目的もここにあると私は考えています。

私たちの人生はこの世に生きた時間だけのものなのか。それに贖うことができるのか、という問いかけに物語ることは「違う」と力強く言い返すことができる。誰かの想像の中に生き続けることができる。恐らくそれは、その人が生きた時間すらをも超えて計り知れない時を刻むことがあるかもしれない可能性を秘めている。

思い出が強いのは単に現実に立ち向ったり、心に安らぎをもたらしてくれる道具だからだけではありません。

ここに存在しない過去を蘇らせてくれるからです。過ぎて消えて去っていった事柄を、死や無から連れ戻してくれる素晴らしい能力だからです。

クボの母と父は、子供を授かり、そしてその子が自分たちのことを語り継いでいてくれる。そんな人生における大きな安らぎを得られた親の姿と、一人の男の子が自分の物語の一歩をまさに歩もうとしている瞬間を、気の遠くなるような労力と時間と愛によって織り成し、綴った極上の絵巻です。

＃49『IT / ”それ”が見えたら、終わり。』

Sun, 05 Nov 2017 18:19:41 +0900

IT becames Hit!! 驚異的な興行収入と高評価を引っ提げてなぜか文化の日にやってきたジュブナイルホラー、言い換えると現代社会が舞台のダークファンタジー。ピエロ恐怖症発症者の数をまた伸ばすのではないかと懸念しつつも、私は超楽しめました。ガクガクとワクワクが一つの映画で味わえる贅沢な一品。それが“イット”です。That’s IT です！（しつこい）

※ネタバレ注意です。鑑賞後にどうぞ。

■近年大ヒットしたもう一つのイット

ホラー映画ってのは怖くてなんぼ。これは確かです。その物差しで測った場合、この『IT』より怖い作品はなんぼでもあります。怖がらせ方や驚かし度でいったら近年だと『死霊館エンフィールド事件』なんてとっても良かったです。映画館で観た時オムツ案件かと思いましたよ。

今作のホラーシーンの演出もとても良く、初日の夜の劇場ではショックシーンで悲鳴の声（女性の客も多かったのですが男性の声の方が大きかった気がします）がたくさん漏れていました。ただ、私はホラーシーンで怖いというより違った感情を抱きました。強がっているわけではないですよ。普通に怖かったですもん。けれど、ペニーワイズというキャラクターがどんどん愛おしくなっていく感じの方が強く、ショックシーンではビビりつつも「いやぁ、いいねぇーペニーたん」とニコニコしてしまいました。これはまた後述します。

さて、実は最近、これに似た作品ホラー映画が大ヒットしました。

それは『イット・フォローズ』です。

『イット・フォローズ』では“イット”が取り憑かれた人間にどこまでもそいつは追いかけ、殺す。取り憑かれた人間が“イット”から逃げるためには誰かとセックスをするしかない。セックスをすることによって、“イット”の標的をセックスの相手に移すことができるという少し変わった死という名の鬼から逃げる鬼ごっこでした。

多くの事が『IT』と共通しているんです。

まず主人公たちに襲い掛かるものを“IT”（鬼）と呼んでいる事。

“IT”は大人には見えない事。

そして、この恐怖から大人の力を借りず、子供たちだけの力で立ち向かってゆくことです。

ホラー映画はよくその時代の恐怖を図らずしも反映していることがある、と言われます。

『イット・フォローズ』との話はここまでにしますが、このような共通点を持つホラーが近年大ヒットをしているというのはこれらの映画にはまだ私たちの気づいていない潜在的な時代の恐怖が、漠然と、だけど確かにそこに黒く妖しく恐ろしく照らされているのではないかと考えてしまうのです。

■恐怖を与えることに意味を

ホラー映画を観賞していて、災厄や怪奇現象が幽霊や悪魔などの超自然的な存在によって引き起こされてるのを見てこんな疑問を持ったことはありませんか。

「なんで、ここまでしてビビらせるんだろう？」

だって、とっとと殺った方が早いでしょ！もし目的が命を奪うことならば。なのに変に凝った演出をして徹底的にビビらせる。幽霊や悪魔が直接手を加えられないため、あまりの恐怖に絶命させるしか手段がないならわかるけれども、そんなこともないよね。

だから、「どうして人をこんなに怖がらせるのか？」を疑問に持つと、どうしても「彼らは人の怖がるところが見たい！という困ったお茶目さんなのかな」と考えてはいけないことを考えてしまう。だからこの疑問には蓋をしておくのがいい。

けれどこの『IT』ではそれにちゃんとした動機や理屈が通っているんです。

『IT』では“イット”こと踊るピエロ：ペニーワイズが登場人物たちの脅威として襲い掛かります。ありとあらゆる手段で、その人その人ごとに趣向を凝らして、怖さの見せ方や追い詰め方をカスタマイズしてゆくというサービス満点の徹底ぶり。まぁ、やっていることは他のホラー映画でやってきたこととそんなに大きな違いはないです。けれど、そこにペニーワイズがやるからこの数々のホラー演出にちょっと違った印象を抱けるんです。

これは度が過ぎたピエロの悪ふざけなのだと。

言い換えると、子供を笑わせることを忘れて、脅かしたり怖がらせたりする方向に振り切ったピエロがペニーワイズなのではないかと。

他のホラー映画で感じるドッキリシーンで登場人物がビックリした後、幽霊や悪魔のような存在がそれを見て喜んでいるのかな、と想像するよりも、ピエロであるペニーワイズが怯える人々を見てゲラゲラと手を叩いて笑っている姿は容易に想像がつきます。

人をビビらせたり怖がらせたりするのが好きそうな怖い存在ってことに強い説得力がペニーワイズの“ピエロ”の姿によって生み出されているんです。ここがとても好きです。そしてこれは『バットマン』シリーズの悪役ジョーカーのピエロを用いた造形の素晴らしさにも繋がりますね。

また、作中でも子供たちを怖がらせれば怖がるほど味が良くなることをペニーワイズは言及しているのでここでも怖がらせるのに彼なりの理屈が通っているのです。ちゃんとペイがあるから、彼も頑張っているんですね。そう考えると、ちょっと可愛く感じませんか。結局は「おいしくなーれ！」って手間をかけていることと一緒です。子供たちにかなり迷惑なやり方でね。

だからこそ、ペニーワイズが最後に倒される直接的なきっかけが“恐怖を感じたこと”ってのが効いてくるんですよ。さすがの彼も「私という存在が無くなってしまうかもしれないって」ことに対して恐怖するってことは説得力あるよね。今まで人に散々な目に合わせておいて、それが同じように自分の身に降りかかった時にギョッとしてしまう感じはあるでしょ。いるでしょ、そんな人。

■素晴らしき子役たち

敵のペニーワイズの素晴らしさばかりを語ってきたので子供たちの方に焦点を合わせましょう。

やはり、子役の子達の演技はどれも素晴らしかったです。一人一人キャラがハッキリとわかれていたのは脚本の力が大きいとは思いますが、それに見事な説得力を子供たちが持たせています。キャラクターがそれぞれの性格、そしてそれぞれの抱える問題の二つによってちゃんと描き分けられていますが、私はベンとリッチーの二人が好きですね。

淡い恋心を抱くおデブちゃんで好きなベバリーちゃんに詩をプレゼントしちゃうというロマンチックなベン。なんとなくだけど、ビルよりベンの方がベバリーちゃん大事にしそうだよ！

ひと言多くて子供とは思えない下ネタを飛ばすけど、やるときはやるリッチーはとても輝いていましたね（ちなみに、リッチーのギャグは彼を演じたフィン・ウルフハードのアドリブがほとんどだそうです）。

ここら辺の子供たちの造形を考えるとやはり『グーニーズ』を思い出さずにはいられませんね。

あと、ベバリーちゃんの学校の日陰者がふと優しくされたり遊んでくれただけで好きになってしまう女の子って雰囲気がとってもいい！これは男の子、好きになっちゃうかもネ！って説得力がしっかりと備わっています。そしてお尻が超綺麗！って思ったら結構家庭問題がえげつないのでシュンとなってしまいましたが…でも綺麗ですね（まだ言うか）。

ちなみに、監督は子役たちとペニーワイズを演じたビル・スカルスガルドはを実際にその撮影シーンが来るまで顔を合わせないようにしていたそうです。そして初めて子供たちがペニーワイズと対面するシーン初日の前にスタッフたちは子供たちに「彼（ビル・スカルスガルド）、怖すぎるけど気を付けてね」と警告しました。子供たちは「いやいや、大丈夫。だってただメイクして演技しているだけでしょ。こっちもプロなんですからわかってますよ」と余裕の態度だったが、実際に撮影のシーンになったら本気で怖がってしまったらしいです。

■最後のひと言

『IT』は私にホラー映画で中々味わえなかった喜びを感じさせてくれました。

それはワクワク感です。

子供の頃、『グーニーズ』などを見て同世代の子供たちの冒険を見ることによって心を躍らせていましたが、実はこの『IT』のように、ホラーなんだけど子供心に抱く冒険へのワクワクもくすぐってしまう贅沢な感情を私に湧き起こしてくれた作品が過去にありました。しかも日本映画で。

それは『学校の怪談』です。

今観ると正直子供の頃感じたワクワク感や恐怖感は薄れてしまって、懐かしさの中にしか私が当時感じていた『学校の怪談』への面白さはない。悲しいことにね。

だけど、今回の『IT』は限りなくその時に感じた子供の世界を中心に描かれる恐怖と興奮を味わうことができ、ちゃんとそれらが見事に混ぜ合わさって面白い作品に仕上がっているのが本当に嬉しかった。

残念ながら（？）R15指定なので、子供が見ることもテレビで放映されることも決してないでしょう。

だけどこの映画はどこか、「いつか懐かしくなる可能性を秘めているホラー」だと思うんです。私にとって『学校の怪談』がそうであるように。

子供たちが力を合わせて邪悪なものに立ち向かっていくという冒険に心躍った記憶をアニメやゲーム、ファンタジーではなく、ホラー作品であっても、懐かしさという宝箱に入れておくことがきる可能性がこの『IT』にはあると思うんです。

もしかしたら27年後に、あの時の恐怖に会いたくなるって日が来るかもしれないって、そんな気持ちにもなるんです。

#48『ハクソー・リッジ』

Sun, 25 Jun 2017 19:06:55 +0900

第二次世界大戦の激戦区において75人もの兵士を救った男デズモンド・ドスを描いた戦争映画。人のみが唯一もつ信念の強固さを、人のみが作り上げるこの世の地獄の中で試される。

※ネタバレ全開です。よって、あらすじも省略するので、鑑賞後に読まれることを強くお勧め致します。

■一番嬉しかった笑顔

主人公デズモンド・ドスを演じるアンドリュー・ガーフィールドがとにかく良かった！彼の子犬みたいなあどけなさや笑顔、ヒョロヒョロ感が今回完全にプラスに働いていましたね。こう比較するのも難ですが、『アメイジング・スパイダーマン』の時より何倍も好きだし、カッコいいヒーローでした。おかげで序盤描かれるデートシーンもまったくイライラせずに観れました。

さて、この映画ではキリスト教への信仰が主人公の大きな行動原理になっています。十戒の中の「汝、殺すなかれ」を何よりも重んじ、その信念を仲間である米軍からも、恋人からも、そして戦場の中でも徹底的に揺さぶられます。それでもなお、そこを曲げないデズモンドの姿に観客は大きな感動を覚えます。

では、当事者であるデズモンドが一番嬉しかった瞬間はどこだったのでしょうか。

それは目が見えないと絶望していた兵士の目を洗ってあげた後に彼が見せた笑顔です。

映画本編後の実際のインタビュー映像内でデズモンド自身がそう発言しています。しかし、私にはこの場面にはもう一つ、他の要素があると考えています。それは宗教的な意味です。

目が見えなくなったものに光を取り戻す、というのは新約聖書のサウロ（パウロ）が経験したことを想起させ、そして目の見えなくなった者に再び光を与える者アナニヤと自分が重なったのではないでしょうか。絶望していた人の喜びの笑顔を取り戻したことはもちろんですが、そこに自分がいつも胸と心に置いている聖書の中で描かれる奇跡が自分の近くで起きた、云わば宗教的体験が重なって、最も嬉しい瞬間になったんじゃないかな。

ちなみに、アンドリュー・ガーフィールドはユダヤ教徒です。なので、メル・ギブソンが以前ひどい扱いを映画内でも日常でもしてしまった人々側の人間なのですが、撮影中はそんな宗教の違いなんかは関係なく、アンドリューはキリスト教の信念を貫き通した気高き人間を見事演じ切り、メル・ギブソン監督もアンドリューの事は絶賛しています。アンドリューもテレビのジミー・キンメルのインタビューに「ユダヤ教徒だけど大丈夫だったの？」と聞かれましたが、「もうそんなことではなく、もっと深い所で理解しあえたと思うよ」と答えています。

Jimmy Kimmel Live URL YouTubeより

https://www.youtube.com/watch?v=zAGBGfvFg6g

■崖とベルト

映画において３という数字はよく使われます。三幕構成といったものは代表的ですが、三回同じものを登場させるというやり方も意識して観ると多くの映画で登場します。映画において物語を語る上でよく使われる３は面白くする魔法の数字です。

今回の映画でもその手法は、意識的にか無意識的にかはわかりませんが、含まれていました。

一つは、崖。

タイトルにまでなっている崖というものが幼少期、青年期、そして戦場でデズモンドの前に現れます。

幼少期には兄と弟が遊び場として使っている崖で、ここで崖から降りろといってもおどけて嫌だと言い、変な奴だという人物紹介と父親への言及もして、次の父親が戦争で心に傷を負った人物であることと、デズモンドのトラウマになるほどのショッキングな出来事が起こる場面に移るのはとても滑らかな流れです。ちなみに、序盤に交される台詞の字幕にはご丁寧にリッジ（崖）とルビを振っていましたね。とても良い配慮だと思います。

青年期では、恋人のドロシーを崖の上に連れて行き同意のもとキスをして幸せな瞬間を体験する場所として機能しています。

そして三回目、戦場ハクソー・リッジにて彼は崖のすぐそばで揺らぎを感じてしまいます。しかし、何かの力が心に作用して自分のやるべきことが黒煙の中にあることを確信する決定的な瞬間でもあります。崖という場所が彼の人生とこの映画の中でとても大きな出来事や意味をもたらす場所であることが三回にわたって描かれています。

もう一つはベルトです。

子供のデズモンドが兄をレンガで殴ってしまった時、父親からベルトで罰せられそうになります。実際はそれで罰を受けることはありませんでしたが、この映画においてベルトは罪を犯した者を罰する道具として登場しました。

二回目の登場はすぐ後です。車の下敷きになった人の傷口を抑えるためにデズモンドは自分のベルトを使用して命を救います。ここでベルトは違った意味を持つ道具になります。人の命を救うものとして。

そして三回目は病院にて一目惚れする相手の会話のはずみになったものがベルトでした。実際は、そこにはベルトはないのですがベルトがなくてズボンがずれ落ちそうになって困っているということでドロシーとの中々弾まない会話にアクセントを加えるものとして作用しています。

その後、ベルトは二回目の登場で描かれた人の命を救うものとして戦場で大活躍します。しかしよく見てみると、デズモンドは三回目のベルトの登場以降のベルトをしていません。私服ではサスペンダーになっています。

ベルトの役割を三つ、罰を与えるもの、人の命を救うもの、そして好きな人との繋がりのきっかけになったことを描いた後は、再び人の命を救うものと登場させるまで彼が手にしているところを映さないのは、故意的にか偶然的にかはわかりませんが、映像表現としてグッとくるんです。

■描かれなかった三回目の戦闘

この映画では合計三回の戦闘シーンが描かれます。しかし、三回目の戦闘シーンはほとんど描かれず、中心として映し出されるのはデズモンドが負傷して戦場から救出されることと、聖書のシーンだけでした。

実は史実ではもっとドラマチックなことが起っていました。

デズモンドが手榴弾を蹴り上げて負傷し、一度失くした聖書を誰かが見つけてくれたというのは史実です（実際には聖書はデズモンドが戦場から救出された後に、聖書がないことに気づき、仲間に探してきてくれと頼み、仲間が戦場で落ちてあるのを見つけて彼の元に届けられました）。映画と違うのは戦場から救出される方法です。

彼が手榴弾の破片によって被弾した後、五時間救出を待ち、ようやく担架で運ばれる際、彼の目に怪我人が目に入り、自ら担架から転がり落ちて、彼の元に這って行き、傷の手当てを施しました。そして彼は自分よりもこの怪我人の方を先に連れて行ってくれと指示し、その場に留まりました。

しかし、その間に彼はスナイパーの撃った弾丸で左腕を負傷してしまいます。そこで彼は初めて銃を手に取ります、

といっても、その負傷した左腕の添え木とするために使用するためです。そして、その状態で約300メートルを這って自ら戦場から脱出し、応急医療処置所まで到達しました。

マジかよ、と思うかもしれませんが、だからこそメル・ギブソン監督はこの史実を映画内に含めませんでした。かなりドラマチックなシーンではありますが、あまりにも凄すぎる利他的な行動に観客が信じてくれないことを懸念して描かなかったそうです。

確かに、この映画の信念を貫く気高き魂は第二の戦闘後のデズモンドの行動で十分に描かれているのでこれ映画内にあろうがなかろうが、この映画で描きたかった人間の姿が抜けてしまったとは思いません。むしろ、尊すぎて信じられなくなることを心配するぐらいの史実があったことを、どうにか映画として信じさせるギリギリのラインがこの映画内のデズモンドの行動だったのかもしれません。

ちなみに、デズモンドが負傷兵を崖から一人ずつ降ろしている時に、実際は日本人に発見されていました。もちろん、日本兵はデズモンドに標準を合わせて引き金を弾いたのですが、どういうわけか、何度も、弾が詰まって発射できなかった、と言われています。

■最後のひと言

戦闘シーンも凄かったですね。この世の地獄のような凄惨な世界が描かれ、「俺はこんなとこには絶対に行きたくねぇな」という気持ちが湧かずにはいられません。そういう悲惨さを徹底的に描くことで結果的に「戦争はごめん願いたいな」という気持ちにさせてくれるのは『プライベート・ライアン』と同じです。

しかし、今作では『プライベート・ライアン』とは違った感情が戦場シーンで生まれます。それは仲間が死ななくて良かったと思えるシーンがあることです。グールと呼ばれる男が爆弾の仕掛けに失敗して吹き飛ばされた後、死んだかと思ったら実は生きていたとするシーンはホッとします。このように「いつ死ぬかわからない恐怖」と同時に「助かってくれて良かった」という人そこに描かれていました。

今作の戦闘シーンは本当に良かった。映像的な目新しさや、カメラの動きももちろんですが、残酷で悲惨な場面を徹底的に描くことによってデズモンド・ドスのヒーローとしての側面が高まるだけでなく、彼の信念の強さがどんどん強調されていく大事な要素になっているのです。

この映画は、別に反戦だとか、アメリカ万歳とか、決してそんな小さな話じゃないです。

己の持つ信念を曲げなかった人がそこにはいた、ということです。

その舞台が彼には戦場であっただけです。

そしてそこに普遍的な感動があるのだと思います。

己の信念を試される場所は別に戦場だけではなく、時代も場所も関係なく、あなたの人生という舞台の上での行動なのだと。

#47『メッセージ』

Sat, 20 May 2017 23:46:44 +0900

地球上の至る所に出現した宇宙人と、言語学者ルイーズが彼らとの意思疎通をするために言語でのやり取りを試みるが、そこにはこれまでの概念を覆すある考え方が提示される。幾多もの賞を獲得したテッド・チャン原作の中編「あなたの人生の物語」の映像化で、発想によって言語と科学を結婚させ、そして愛という感情に到達する傑作。

※ネタバレ全開です。観ていない人は鑑賞後どうぞ。それゆえ、あらすじは省きます。

■未来の思い出

“思考は言語によって形成される”という理論に立脚したうえで、主人公ルイーズは宇宙人ヘプタポッドの言語を習得することによって、世界の現象を彼らの視点から思考できる能力を持つようになります。その能力とは未来を見ることができること。そしてそれは予知ではありません。ここ結構大事です。それはまた後に説明します。まずは、その未来を見る能力とはどういうことなのかを疑似体験させる映像的な演出について考えてみます。

ルイージが宇宙人ヘプタポッドとの接触を試み、彼らの言語を少しずつ解き明かす過程で現在とは関係のない映像が挟み込まれます。女の子と遊んだり、おしゃべりしたり、死んでいる姿をみたり…あれはルイーズが未来で産む子供ハンナであるということが結末で明かされるのですが、ハッとしたのはカメラの揺れですね。

先日『ヒメアノ～ル』のレビューで記しましたが、カメラの揺れによって登場人物の心情や物語のテンションを表現することがありますが、恐らく今作でもやっています。カメラが揺れるのはルイーズが未来を観ている時です。ではこの揺れは何を演出しているんでしょうか。

ちなみに、原作小説だと未来を見ているパートは一行空欄があり、文体もあなた（彼女の子供）に聞かせる語り口になっているので明確に分けられています。そして未来は全然脈絡がないように挟み込まれているようにみえますが、実は現実で起きた出来事とささやかにリンクしていました。

たとえば、“ノンサムゼロゲーム”（非ゼロ和ゲーム）という言葉を耳にしたら、それに繋がる未来のヴィジョンが見えるのを原作小説でも描いていましたが、これは非常に映像化するにあたって相性はいいし、私たちも記憶を呼び覚ます時はそんな感じだと思います。匂いを嗅いだり、音楽を聴いた瞬間に過去の記憶のライブラリーからスッ抜き出してその時の思い出が頭に浮かぶ。それをルイーズは未来でできるようになって、やがてそれを意識的にできるようなる。未来の思い出を今見ることが。

ちなみに、最後のルイーズとシャン将軍の電話での会話は字幕が表示されませんが、あれは「戦争には勝者などなく、ただ未亡人が残るのみ」と言っているそうです。“ノンサムゼロゲーム”（非ゼロ和ゲーム）という勝者のみができあがる駆け引きに失敗した後、シャン将軍を説得した言葉が亡くなった奥さんの「戦争をしたら勝者などいない」という言葉であるところも上手いですね。

さて、カメラの揺れですが観賞中は不確定な未来を示しているのかな？と考えていました。しかし、そうではなく、あのカメラ揺れはただ観客にハッキリと「このシーンは今とは違う時間のシーンですよ」ということを示すための演出だったんじゃないかな、というのが私の解釈です。

なぜなら「不確定な未来」という考えが恐らくこの映画と原作のルイーズの視点からは到達しない目的地だからです。

■欠落した意志

普通、ほとんどの未来は不確定なもので今の行動が未来を変えることができるという考え方をします。『バック・トゥ・ザ・フューチャー PART3』のラストでもドクが「未来は白紙である」というメッセージをマーティと観客に示し、よりよい未来を創る歩みや努力をすれば未来は変えられると諭されて映画は終わります。

この物語はその考え方を覆します。

ここは解釈の余地があるので、あくまで私個人の考えで少し悲観的な見方になります。

主人公ルイーズはエイリアンの言語を習得しました。その代償としてあるものを失います。それは自由意志です。

自由意志とはイタリアの哲学者ピコ=デラ＝ミランドラが提唱したもので、神の権威から解放された自由な生き方に人間の尊厳があり、自由意志によって自らを作り上げていく無限の可能性を我々人間は持っているというものです。

ルイーズは未来が見えるようになりました。しかし、彼女が見ている未来では夫と離婚し、産んだ子供も何らかの原因で若くして亡くなるのを起きる前から知ってしまいます。原作だと崖から落ちたことが原因となっており、映画版では恐らく不治の病のようなものが死因のようでした。

ここで普通はこう考えるわけです。未来に起きることを知っているのなら、その未来を避けるために今そうならないよう行動すればいいと。しかし、ルイーズはそれをしません。なぜなら彼女が見ている未来は確定した未来だからです。

これは映画ではあまり説明がありませんでしたが、原作を読めばハッキリと書いています。未来を知る能力を習得したことよって、その未来を避けるための行動、決められた運命に贖う行為、つまりルイーズは自由意志が欠落したことが。つまり、彼女は未来に起きたことを知った上で、その未来になるよう行動せざる得ないと。

映画のラスト、ルイーズと将来の旦那イアンと抱き合いますがどこか不安な表情も漂わせます。それはこれから来る幸せな時間と、やがて来る悲劇の時を知っていて、なおかつそれを避ける選択をしないことを彼女は知っているからだと思います。“できない”ではなく“しない”。もはや失われているからやろうとする意志すらもないと原作では示しています。

■ヘプタポッドが欲しかったもの

決められた過程をただ辿るだけの人生なのか、それはなんかつまらなさそう、どこか可哀想と思うかもしれません。ただ、それは私たち側からの感情です。この事も人間が生み出した言語によって思考している以上そう感じるのが普通だと思いますが、ルイーズはそれを超越しているんですよね。当の本人はそういうものだと受け止めています。悟りに近いのかもしれません。『ウォッチメン』のDr.マンハッタンの能力にも近い。つまり、彼らの思考を習得してしまったが為に選択するという意志を失ってしまいました。

しかし、彼女には大事なものが残されています。それは感情です。

自由意志と感情は密接に繋がっていると考えていますが、もし自由意志だけ失い感情だけが自分に残されたとしたら、という非常に稀有なケース、一種の思考実験をこの物語では描かれていると私は考えています。

3000年後、ヘプタポッドは人類を救われる未来を見たから地球にやってきたわけですが、どうして彼らは私たちの力が必要になったのか。恐らく、彼らには持っていないものが後の未来で重要な意味を持つようになるからかな、と想像しています。それは人間の感情です。ヘプタポッドにも感情はあるのかもしれませんが、それは人間のものとは異なります。この映画の立脚している理論上だと言語が違うから、感情も違う。

彼らは人間の感情が必要だったのかもしれません。そしてルイーズは史上初めて、人間の感情とヘプタポッドの概念を取り入れたハイブリッドな存在となりました。そんな彼女はこれからどのような視点で自分の人生を認識し続けるのか、を追体験させてくれる映画でした。果たして自由意志を失くしてしまった彼女は幸せなのか、不幸なのか。答えはそんなに単純ではなく、たとえ、そのような大きな運命や能力を獲得し、既に知覚している未来の幸福、不幸に贖えなくとも、自分の子供と出遭うことが彼女にとっては何よりも尊いものである、ということを描いていると感じます。

■到着地点を知っている感覚を味わう方法

さて、この映画の主人公ルイーズのように未来を知った上で現在を認識する。つまり、“予め到達地点を知った上で現在の時間を過ごす”ことを実は我々はできます。それもすぐに、簡単に。そして多くの方々が既にもうやっています。

それは、一度観た物語をもう一度観直せばいいんです。

映画、ドラマ、小説、落語、なんでもいいです。一度最後まで観たのならば、もう結末を知っています。その上で最初から読む。もしくは気に入った箇所を再び味わう。すると、その地点を味わいながら、貴方の頭にはこの物語の先で起きる未来を踏まえた上で体験をすることができるのです。

この映画も二度三度と観た方がより仕掛けられたトリックや演出、伏線にハッとさせられて一度目とは違った感覚を味わえると思います。

しかし、この映画の面白い仕掛けは一度目の観賞から実はルイーズが習得する感覚を観客に既に与えているんです。

それはオープニング。娘と遊んでいるルイーズの姿、そして病院のベッドで眠っている女の子に悲しむルイーズの姿が描かれた後に、舞台はことの始まりのシーンに移ります。

ではオープニングの映像は一体誰から観たヴィジョンなのでしょうか？

恐らくルイーズではありません。この映画、ほとんどのシーンでルイーズが出ていますが何カ所かだけ彼女が不在のシーンがあります。なのでこの映画全体が彼女の回想であるというトリックは成り立ちません。ではあのオープニング映像は誰の視点なのか。

観客のあなたです。

もし、あなたがヘプタポッドの言語を習得していたとしたら…という仮定の元に作り上げられた物語の構成だとしたらオープニングの映像は未来を見ることができる能力をもった観客のヴィジョンであるという説明も成り立つんです。

監督自身、この物語はルイーズを通して描いて語られた物語であるとインタビューでこたえてはいますが、このような始まり方をする構成にしたことによって、ルイーズという人間の到達する地点をもう既に知った者がこの物語を知覚している体験ができる、という映画になっていると解釈ができ、私はこの考え方を支持します。まるでルイーズが長方形上のスクリーン越しに、ヘクタポッド達との交流をしながら未来が見えてくるように、我々観客も長方形上のスクリーンの先に様々なものを見ているんです。

そうすると、一度経験した物語へ再度おとずれる時にこれまでと違った感覚を知ることができるから。私はヘプタポッドの言語を習得した者であると一時的にも感じられる。それはまるで結末を知っていても変えることができない、抵抗できないことを知っていつつも、自分の好きなキャラクターや言葉に出会うために身をゆだねることが、ルイーズの気持ちに近い所に行く気がするからです。

■最後の一言

こうゆう"時の概念"を扱う作品はいいですね。レビュー内でも『BTTF』『ウォッチメン』を取り上げましたが、『ランゴリアーズ』という映画は過去の解釈が凄く面白くて好きです。あとこの映画鑑賞後『ビルとテッドの大冒険』も観るといいかもですね。

先日公開された『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシーリミックス』もそうですが、物凄くスケールのでかい話をしているのに行き着く地点が個人的な感情であるというのはやはりどこか自分たちと繋がっている確かな感覚があっていいですね。

主人公が自分とは大きくかけ離れた能力を持っていようともそこに人間の感情があるかどうかで私たちはその物語を享受できます。

確かに、何をして、何を成し遂げたか、も人生では大きな意味を持つと思います。だけど、その根底には感情があります。

必死に努力したり、財を成したり、好きな人と手を繋ぐことにも意味はあるかもしれない。いや、下手したら意味なんてないのかも。しかし、それよりも前に自分の感情とちゃんと繋がること。人生の意味なんかよりも何を感じ、考え、伝えるのか。目の前に広がる光景や出来事、そして人々にちゃんと自分の感情をぶつけること。それこそが、あなたの人生の物語を味わうことに到達するのではないかと思うの。

映画館での初体験

Fri, 12 May 2017 21:51:41 +0900

※今回は映画の内容と全く関係ないたわ言です。気が狂いそうなほどヒマな人はどうぞ。

いやね、生まれて初めての初体験をしましたよ。んっ？これだと右に右折的な感じだね。打つと見せかけてバッティング、巨人軍は永久に不滅ですとか。これを重言というそうです。

内容と果てしなく関係のない話をしてしまいました。最初の五行は読み飛ばしても全然問題ありません。もっと言えば、本文も読み飛ばすのが一番だと思います。

仕事帰り。「一発引っ掛けるかねぇ」と意気揚々と早足で飛び込みました。映画館に。

『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシーリミックス』を公開日に観ちゃうもんね！とウキウキウォッチングで、購入。

劇場に入って、三日出なかった後のお花摘み並みにクソなげぇ予告編が過ぎ去ったら本編開始。そしたらロゴで「ワーナー」と出たんですよ。

いや、待て。この映画はディズニーorマーベルの筈なのに。しかも凄い既視感のある映像…

そしてすぐに気づきました。

「これ『キング・コング』やん！」

もう観たよ！ムチャクチャガォー！って感じで楽しい作品でしたね！けれど今日は『GofG』でヒャッホーゥ！な気分なんだよ！

いいですか？今日はなんとなくクリスタルでラーメンな気分で暖簾をくぐり、「ラーメン一つ！」「あいよッ！」と粋な感じで注文して、店に立ち込める香りで胃袋をツンツンして待っていたら、なぜか油そばが出てきたみたいな感じですよ。食えますか！？食えますね！多分食べます！

即座に劇場を出て、カウンターに行き事情を説明しに向かいました。この時「自分は間違ってカウンターで『キング・コング』って言ったのかな？」と半生を振り返りました。

でも、冷静に考えて、全然タイトル違うぞ。んで、今日の俺の頭の中に『キング・コング』はなかったし、その言葉もポスターも目視した覚えも全くないんですよ！だから99%言っていないよ。

「そらぁテメェのかちゅじぇつが悪いからだろ！」ってツッコミもお考えになられると思いますが、でも『キング・コング』と『ガーディアンズ・オブ

ギャラクシー』ですよ。文字数の長さがへちまと中華人民共和国ぐらい違うじゃないですか。だからかちゅじぇじぇつの問題ではないでしょうよ！

さっきカウンターで担当したお兄ちゃんの元に行って事情を説明した時、私は見逃さなかった。その刹那を。

（あっ、やっちゃった）

って表情をしました！しましたね、お兄さん！やっぱりね！良かったー、と思ったら

「では『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』ですね」

と、新たにチケットを発行しようとしてるんですよ。

ちょい×π！待て待て待て！もう始まってるよ！

本編から10分は開始しちゃってるし、目と頭が悪いから後ろの席はやだし、かと言って前の席に映画の途中から「ちょっくらゴメンよ〜」的な感じで入る野暮な奴にはなりたくないんじゃ！返金を申し立てる！

そしたら「かしこまりました。千三百円のお返しです」

…あれっ、「すみません」は？

まぁ待て。ちょっとクールダウンだ。素数を数えて落ち着くんだ。1,2,3,4…OK。そして相手の気持ちになって考えるんだ。

カウンターのお兄ちゃんの気持ち（ヤベッ、とちったわ〜上映時間一緒だしさ、もうすぐあがりだから気ぃ抜いとったわ〜。けどさぁ、普通気づかね？チケット確認するでしょ、常識的に。ツラみたらいかにも映画といやらしい事しか考えていないような小学22年生じゃん。もっと注意しろよ。そしたらこんな面倒なことにならなかったのにさぁ。まぁ、俺も悪かったけどさ。で・も、ここで俺がメンゴしたら非を認めたことになっちゃうからぁ…そしたらこの男はクレイジークレイマーに変身しそうだし、ことなかれ主義で通しましょうかね）

的な事を考えてたと仮定し、想像してみたら、ちょっとは思いやりの心を…

持てるかぁ！

確かにオイラにも非はあった！確認を怠ったからね。もしね、僕が敬虔なキリスト教のクリスチャンだったら赦しますよ。カウンターに行かずに、夜空を見上げながら「予告編観れただけ儲けもんじょぁ」と十字をきって、鼻歌交じりに帰路に着きますけれども、あいにく私は映画狂なんでね！

かと、言って正しい対応の仕方もわからないよ…

「ウホウホッ、ウガァー！」と言ってカウンターの防弾ガラスに怒りのメガトンパンチをお見舞いし、マジのガーディアンを呼ぶのも一つの正解だったかもしれない。けど、そんな人様に迷惑をかけるのも堪忍なので、私が最後に取った行動は…

お礼を言わずに「どうも」とだけ言って千三百円を受け取りました。

だって「ありがとうございます」って言ったらこっちが非を認めたことになるもんね！フンだ！

……心の広さがギャラクシーな男になりたいです。

#46『モアナと伝説の海』

Sat, 18 Mar 2017 11:43:24 +0900

闇に覆われつつある自分たちの島を救うため、かつて海に選ばれた少女モアナは半神半人のマウイ、お馬鹿さんなニワトリ：ヘイヘイと共に大海原へ大冒険の旅へ出発する。

単純に冒険活劇として素晴らしく楽しめ、ヴィジュアルも心奪われるほど美しく、唄もとてもいい！そして非常にシンプルなストーリーの中に詰め込まれた過去の作品からの引用、ディズニープリンセスへの反抗や茶化しが描かれてはいるが、意見の分かれ所もそこにあるかもしれません。私が最も指摘したいのは…遺産と開拓の部分です。映画を観ている人ほど批判したくなるだろうポイントと、あえてそこを評価するというスタンスで行ってみます。

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※ネタバレ注意

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■健康的なフォルム

まず目がいったのはモアナちゃんの二の腕。健康的というか、いい感じな肉付きになっていて運動できそう！活発そうっ！ってのが二の腕と肩で感じられました。ガタイがちょっといい感じで。

あとウエスト！全然非現実的な細さじゃない！自然な感じの腰回りになっているのにも感心しました。過去のディズニープリンセスはどこに内臓がしまわれているのかわからないほどウエストの細さを強調していたが、今作のモアナちゃんの全体的な体格は非常に現実的な体型に近いものを感じます。

これはやはり製作者の意図として狙っているようですね。

冒頭の赤ん坊の時のモアナも結構リアルな比率じゃないですか！？頭と身体のバランス、そしておぼつかない感じの足取りが！なので、今回彼女が能動的に動き回る姿がアニメーションではあるけれど、より現実に近い動き方に見える。

これまでのディズニーで能動的に動くプリンセスたちも活発に動いてはいましたが、今回はそのように動くための体格を優先しているところがディズニー世界の中では画期的なポイントではないかなと思います。

二の腕いいなぁ…。

■元ネタは歴史のミステリー

実はこの作品の元になっているのは史実です。

もっと厳密にいうと、歴史の謎からインスパイアを受けているようです。

2000年前、南太平洋には大海原に出て、探求の旅にでる人々が実際にいました。しかし、ある日突然その冒険は終わります。

その理由ははっきりとわかっていません。

なぜ彼らが探求することを辞めたのか？という疑問から膨らませて、この映画の物語を創り上げていきました。

ゆえにこの映画の舞台は2000年前で、登場する衣装もかなり忠実に当時の島国にあるものでしか作られない素材や布によって作られていて、同時に服の色彩もそれに則って制限して彩られているようです。

さて、ディズニーはこれまでたくさんの御伽噺や神話、児童文学をディズニー化をしていて、その“ディズニー化”に対して批判することがありました。

しかし、昨今ではオリジナルのストーリーであったり、アメコミであったり、御伽噺から派生させたお話から持ってきたりと、様々な分野から素材を集めています。

今回ではそれを未だ解き明かされていない謎に着目し、そこから想像力を膨らませつつ、ポリネシアの神話などとも混ぜ合わせてディズニーの世界観を、具体的にこれだ！とポイントは突けませんが、でもこれはディズニーだよね！と感じさせてくれるので、見事世界観を構築していると思います。

■伝統と開拓

すごくシンプルなストーリーで、登場人物もかなり少ない映画ではあるが非常に巧みに過去のディズニー映画からの引用が散りばめられていました。

それは『ベイマックス』『塔の上のラプンツェル』などのカメオ出演とかではなく、

映画マニアの方なら『マッド・マックス怒りのデス・ロード』『十戒』『ライフ・オブ・パイ』などはすぐに頭に思い浮かんだでしょう。

しかし、私がこの作品を観て思い出したのは全く別の映画でした。

この作品はもっとヴィジュアル的にも、お話の転がせ方なども、過去のディズニー映画で見たことのある技法を取り入れている。

そして、それがこの作品の賛否の評価につながりやすいポイントかもしれません。

この作品を描くにあたって最も強い影響を及ぼしたディズニー映画は二つ。

『アラジン』と『ライオン・キング』でしょう。

まず、鑑賞中にピンときたのはココナッツの渡し方です。肩を滑らせて肘で飛ばして投げ渡すやり方はアラジンと一緒で、しかも二人の人物が行います。つまり二度も描いて強調しているんです。

次に、進むべき道に迷った時に誘うものが亡くなった親族の霊であるというところはライオン・キングのムファサと今作のおばあちゃんの姿がダブりますね。

そして最も大きく感じるのはストーリーです。

主人公は今いる場所から未知の世界への強い憧れを抱くが伝統や血によって縛られているも、外界に飛び出したら不思議な力を持つ者に出逢い、そして旅の目的を果たし元の場所に帰還する。

これらは『アラジン』『ライオン・キング』『モアナと伝説の海』のストーリーの軸として共通しています。

それはよくある神話のプロットだろ！と物語を沢山触れている人や体系的に勉強された方は突っ込まれるかもしれません。

確かにそれもある。この『モアナと伝説の海』もまた、昨今のディズニー作品に共通する過去の遺産をどのように捉え直すか、という自己言及の流れの上に築かれた作品だと思います。

『シュガー・ラッシュ』ではお姫様ではない自分を選択するプリンセス、『ズートピア』では『南部の唄』への目配せを服の色で示していたり、『プリンセスと魔法のキス』では好きな人との労働の中にも幸せが宿ることを描いていたり、と。そして今作ではもっとはっきりと台詞にてディズニーあるあるのネタを茶化している描写がある。

最近のディズニー映画はもっと大きな意味合いを持ったファミリー映画になりつつあります。それは子供向けであることはもちろんだけど、物語やテーマを再構築をして新たな時代を映す魔法の鏡としての役割を、ディズニー映画を子供の頃に観た大人にも提示していると私は感じます。

ディズニーの作り手たちは過去の作品の遺産を認めた上で何を作り出すべきなのか、をもがき苦しみ、そして楽しく描いている気がします。

それは過去、安易な続編やスピンオフでお金儲けをやるぞ！という姿勢への反省なのかはわからないけれど、確かに彼らは過去を見ながら新しいものを創造する努力が伝わってきます。

確かに、今回の作品では確信犯的に過去のディズニー映画とは違うよ！と台詞で意思表示するぐらいだけど、その割には結局過去の焼き増しで、数えきれないほど描かれ続けている神話構造の枠からはみ出ていないじゃん！と批判することはできます。ここがこの映画のマイナス点にあげる人は多いかもしれません。

しかし、私はそこに意見を申し上げたい。というか、製作者もそのことわかっているよ！ということを作中で示唆していると考えています。それは後で説明しますが、まず言いたい事。

過去、ディズニーは開拓者でした。

『白雪姫』でアニメーション映画というジャンルを切り開き、『ファンタジア』では長編アニメーション映画にも関わらずストーリーを排除し、クラシック音楽とアニメの融合を果たした未だ追随を許さない革新的な映画を作り上げました。

かつては開拓者だった者達の意地を見せよう。だけど、決して過去に築き上げたものも蔑ろにはしない。

今一度、ディズニーはちゃんと前に進もうとする姿勢が過去のディズニー映画からの引用や台詞によるおふざけからも感じられるし、何よりモアナの姿と重なるんです。

それはまるで、映画の最後、数々の先祖が積み上げられた石の上に、新しい物を積み上げたモアナのようにね。

■最後のひと言

『アメイジング・スパイダーマン』でのラストシーン、学校の先生が物語の種類について言及するシーンがあります。

「私はフィクションには10通りの物語しかないと学びましたが、私は違うと思う。物語は1つしかない。それは“私とは何者なのか？”です」。

今作でも非常にそのことを前面に打ち出したテーマでした。今作のモアナはなりたい自分というものは特別になく、ただ今のままでいいのだろうか？という漠然とした不安を、それを解消してくれる可能性を秘めているのは壮大な海の向こうにあるのではないか？と考えています。

これは本当に象徴的だし、安易な結論に着地していないところもいいですね。結構そうゆう人、多いんじゃないですかね。なりたいものがわからない。なりたいものがあったとしても漠然としたイメージしかないから、不透明な不安がそこに辿り着くまでの道に霧を覆わせることが。ただ、どこかに大きな可能性が私を待っていてくれている気がする。また、一歩踏み出したら踏み出したで、今まで味わったことのない脅威や危険によって安全圏に委縮してしまうことは誰もが共感できる弱さだと思います。

今作のヒロインは気持ちいいほど元気に活発に、それらを乗り越えていきます。海から選ばれた特別な存在であることも全然鼻に引っかけず、新しい世界を開拓するという意志こそが私であるということを、ルーツを辿ることから確信に変わり、島という殻を打ち破り、伝説の旅に出掛けて、一度諦めてしまいそうになり、そして復活する。

今作、タイトルが最後に出てくるタイプの作品でした。「私はモアナ」であることのそれ以上でもそれ以下でもない、絶対的な確信を抱いた彼女の姿を映した後に、“Moana”とでっかく映し出されると、過去『ロボコップ』で「名前は？」「マーフィー」タイトル『ロボコップ』（バァーン！！）を思い出して、私はウルウルしてしまいましたよ。

大きな可能性を信じて進む者の疑似体験を、2000年前の太平洋の海の上で、非常に細やかな画作りと、楽しいギャグによるスパイスによって味付けされ、謎が生み出したファンタジーを経験でき、大昔からある神話的構造からも拝借し、そしてディズニーの遺産からの伝統を引き継ぎつつ、最終的には我々とは何か？という果てしなく深く、そして誰もが人生をかけて探求する価値のある問いかけを大人から子供まで、観客の心に種を蒔いてくれる素敵な作品だと思います。

そして、人は誰もが自分というものを探求する旅人であるということをね。

#45『ラ・ラ・ランド』

Sun, 05 Mar 2017 22:00:04 +0900

アカデミー賞作品賞の本命！ハリウッド界からの絶賛に次ぐ絶賛！映画サイトも軒並みの高評価！だけど、フタを開けてみると…結構賛否両論な感じでしたね。

意見が分かれるのもわかる気がします。求めていたモノと違うと感じる人、過去のミュージカル映画を観ていないと楽しめないと言う人、とにかく最高だった！などなどの意見が飛び交っていますね。

私の意見としては、中途半端なんですが…いい作品だとは思います。しかし、諸手を挙げて大絶賛はちょっと…って感じです。

まず、ちょっとこれは…って点を挙げて、次に良かった点、最後にこの映画はデートに向いているかいないのかについての見解を述べます。

※ネタバレ前提です。未見の方はご注意。

■自己中心的なヒロイン

オープニング、始まってからハイウェイの渋滞からいきなりミュージカルが始まるシーンは最高です。もう開始一発目に映るの車たちの色から最高でしたね。明るい色の車が均等に距離の取られた車間距離で次々と映し出されて、ちょっと暗い色の車が映ったかと思ったらミュージカルが始まり、また明るい色の車が停まっている前の道路にカメラが映っていく。現実ではない作り物の世界から一瞬だけ現実に戻して、すぐにまた作り物の世界へ戻る。ミュージカル映画そのものを表しているような色とカメラワークによる演出からのミュージカルシーンスタートはたまりませんでした。

そのミュージカルが終わった瞬間にタイトルがバンッ！っと出た時、映画のオープニングで「これからスゲェ楽しそうな時間が始まりそう！」とワクワクさせてくれたのは昨今では断トツの幕開けだと思います。

それから多くの人が気に入っている“Someone in the crowd”のナンバーも素晴らしい！うら若き女性たちがバッチリとおめかしして、パーティに出陣して「今日は狩ったる！」って感じのバイタリティーと、力強さと、前途洋々な明るさも感じられて私はこの映画の中で一番好きな曲です。歌詞もミアの行く末を暗示させていたりと仕掛けもあってバッチリでした。そのことについての詳しいことは少しに後に回します。

さて、問題はミュージカルシーン以外の部分です。

ミュージカルシーンは本当に良かった。レベルが高いかどうかではなく、昔のミュージカルを観た時の驚きを最新作で感じられてるって実感が確かにありました。いくつものシーンで「おぉ！」と脳と目が喜んでいましたよ！

しかし、ドラマパートが全然ノレない。エマ・ストーンはとっても可愛いし、ライアン・ゴズリングも様になってる。しかし、私はミアとセバスチャンというキャラクターに共感の念を抱くことはできませんでした。

それは、この映画ならではのキャラクターというよりかは、夢を追っている若者という存在をミアとセバスチャンに象徴させているからかなと思います。言い換えると映画で描きたいテーマ用に作られた人形のようだな、って印象を拭えませんでした。

なのでミュージカルシーンで心地よく気持ちよくなっていても、現実のパート（つまり、ドラマ部分）になると、どんどんその温度が毎回下がっていきました。これ、3年前にギャレス・エドワーズ監督『ゴジラ』でも感じたことでした。見せ場とドラマシーンの魅力がかなり乖離している。ずっと魔法にかけられている感じがしない。いや、もしかしたらこの映画のテーマと合っているのかもしれません。しかし、それと面白いは別の話かなと。

あと、問題のミアが映画館のスクリーンの前に立つ、ってシーン。いくらなんでも何処に座っているか分からない人を見つけるためといっても…と映画ファンは結構ツッコミたくなるポイントだったと思います。

でもあれも伏線なんでしょうね。

まず、表面的なものとしてはミアの自分勝手な性格が表れていると思います。彼女、喫茶店でのバイトでも夢追いかけることばかりで店に迷惑をかけているし、あんな店員はマズいよ。また、音楽にのせてはいるもののバイト辞める時も店長怒っている感じは伝わってきましたしね。彼女は恐らく普通の社会ではかなりマズイ人間なんだろうなってことは所々に感じられるんです。だからあのスクリーンの前に立つ行動もなんかさもありなん。

ですが、前述した“Someone in the crowd”の歌詞の中に

“Someone in the crowd will take you where you want to go”

（群衆の中にいる誰かが、貴方が望む場所へ連れて行ってくれる）

とあり、それは群衆の中にいたセバスチャンだった、というミュージカルの歌詞とリンクさせていると考えられます。

また、ミアの一人舞台の演劇シーンでもミアの背中とまばらにしか席が埋まっていない観客席が映ります。映画館の観客も、そんなに入っていませんでした。つまり、ミアは二度観客があまり埋まっていないステージの前に立ちます。

そして、彼女は二度目の“群衆の中の誰か”が彼女の行きたかった場所、つまり、映画女優への道へ誘うことになります。しかも、それは一度目の群衆の中にいたセバスチャンが電話を受け取り、ミアにそのことを伝達するという中継役としての役割を果たしています。

とまぁ、こうゆうさり気ない部分は凄く面白い！けど、それでもキャラにはノレなかったよ

※断っておきますが私はエマ・ストーンもライアン・ゴズリングも好きです。『ラブ・アゲイン』の時の二人とか最高ですし、『小悪魔はなぜモテる？！』のエマは魅力が特Aです。

■今ではないどこかへ行くための起爆剤

また、映画をしこたまご覧になられている方は「あぁ、ここは過去のミュージカル映画のオマージュね」とニヤニヤできるのもまぁいいでしょうね。それでこの映画を観て楽しめない人は過去のミュージカル映画を観ていないからだ、なんてふざけた意見もありますがそんなのは気にしなくていいです。

むしろ、私はミュージカル映画ではなくクラシック映画『カサブランカ』への愛の捧げ方が粋だなって感じました。

ラストシーン、セブズのバーでミアとセブがお互いを見て固まるシーンは『カサブランカ』でリックとイルザがリックのアメリカン・カフェで出会うシーンへの引用と考えてまず間違いないでしょう。

なぜならミアは旦那を連れて、昔好きだった男性の営むバーで音楽の中で出会うんですから。そして店の名前もミアの提案したセブズ（セブの店）になっていますが、『カサブランカ』ではリックのアメリカンカフェとオーナーの名前を店の名前に置くことも繋がります。

『カサブランカ』では、リックがお店では決して弾いてはいけない曲があります。それがこの映画のテーマ曲ともなっている“As Time Goes By”（日本語タイトル：時の過行くままに、しかし意味としては「いくら時間が流れようとも」の方が合っていると思います。カッコいいタイトルではありますが）。その曲をピアニストが断りもなく弾き始めたのを耳にしたリックは怒ってピアニストの元に行くと、そこには昔の恋人イルザがいた、という映画史上に残る再会のシーンです。そしてこの曲を演奏することを禁止した理由が後々わかります。リックはこの曲を聴くとイルザとの思い出が蘇るからです。

これは素晴らしい映画的な表現だと思います。人が過去の記憶を思い出すキッカケ、云わば起爆剤となるのは匂いであると言われていますが、それを映画では表現しにくい。だけど、音楽もまた過去にその曲を聴いたときのことを想起させる強い作用があり、そのことは多くの人が経験していると思います。

『カサブランカ』の話が長くなってしまいました。『ラ・ラ・ランド』に繋げましょう。

『カサブランカ』ではリックはイルザとの楽しかったパリの思い出に浸るシーンがあります。この映画の中では過去の思い出しか描かれませんが、『ラ・ラ・ランド』では思い出の曲で"もしかしたらあったかもしれない人生"の幻想を描きます。それはリックが思い浮かべることのできなかったものです。それを今回はほぼ同じシチュエーションのキャラクターに違ったベクトルの"頭に思い浮かべる映像"を観せることが、『カサブランカ』への優しいオマージュにも思えるし、『ラ・ラ・ランド』の自分の夢を叶えたとしても、叶わなかった夢がある寂しさとも混じり合って非常にアンビバレントな余韻を残していると思います。

これはデミアン・チャゼル監督の前作のラストで描かれた音楽の持つ力をまた違った種類のものを描いていると考えています。

『セッション』ではぶつかりあっていたアンドリューとフレッチャーが暴力的でイレギュラーなセッションによって音楽の本来にあるべき喜びを再発見していることを、音楽と表情の演技で表現している素晴らしいシーンでした。音楽の本来あるべき姿とは“楽しい”だと思いますし、この映画のラストで二人が音楽をやっている上で見失いそうになっていたもの、そして音楽で取り戻した輝きだと思います。日本語だと正にそう漢字で書きますしね。

では『ラ・ラ・ランド』ではなんでしょう。それは“今ではないどこかへ行くための力”があることではないでしょうか。

最後のエピローグにて、全てが望むままに叶えられたハッピーエンドの世界、SF風に云えばどこかの次元に存在する二人の世界が思い出の曲によって始まり、そして彩られていくようすはこの映画の最もファンタジックで、ミュージカル映画だからこそできる描かれ方だと思い、文句なしに素晴らしかったです。

この映画はエピローグともう一つの楽曲以外は現実の世界の中で踊り、唄っています。

昔だったらスタジオで背景は絵で撮るという撮影方法ではなく、あくまでアナログで、昔作り物で描かれていたスクリーンの魔法をCG全盛期の現在にあえてやるという所が技術的にも面白いし、だからこそエピローグのシーンが特別際立つものになっているのではないでしょうか。

もう一つ、いくらなんでも現実ではありえないミュージカルシーンは宇宙での二人のダンスですね。でもあれは、恋に落ちた直後ってことで宙にも浮く感覚ってことなんでしょうね。

■最後のひと言

この映画ってデートに向いていると思いますか？

私は向いていないんじゃないかなって感じています。僻みとかではなく。むしろ止めておいた方がいいんじゃないかな。

だって、最後の最後で描かれているのは夢のために愛を犠牲にしたカップルが幻想の中だけでも幸せになれたってシーンですよ。

そんなの、昔好きだった人も思い出すに決まっているでしょ…。

私はソロ活動で観に行き、思う存分ラストシーンに浸り、帰りの夜、昔好きだった子のことを思い出しながら帰路につきました。

この映画を観る時に連れて行くのは過去の思い出がピッタリのような気がします。

自分の想像の世界だけに描かれた今の自分が歩めなかった幸せな人生の幻想を誰にも言わず夢見る。傍から見たら気持ち悪いでしょうし、パートナーに知られるのは避けるのが無難です。しかし、脳の中の世界は人には見えませんから。

ですが、この映画はその人生の幻想を音楽の力で共有する、という正に映画ならではの魔法としか言いようのないラストシーンで終わるのは文句なしに最高でした。

そこには過去どれだけミュージカル映画を観たかとか関係ないです。叶わなかった夢にレクイエムをおくる人々の姿に、自分を照らし合わせるかどうかではないかな、と私は思います。

#44『ミザリー』

Sun, 26 Feb 2017 20:55:05 +0900

人里離れた雪道で交通事故を起こしてしまった人気小説家ポール。自称ナンバーワンのファン：アニーに助けられた彼だが、そこから介護とは名ばかりの監禁生活が始まる。世界一の売れっ子作家スティーブン・キングが彼の身の回りで感じた“とある恐怖”を異常なファンに具現化して描き切った傑作

■『シャイニング』につながる恐怖

スティーブン・キング原作のホラー映画は何十本もある。『キャリー』『ランゴリアーズ』『IT』『デッドゾーン』等々…中でも特異な魅力を放っているのは『シャイニング』だろう。

『シャイニング』は様々な視点からみても興味深い作品だ。まず原作者のキングは映画版が大嫌いなことは有名だ。そして「そもそもコレって本当に面白いの？怖いの？」という議論もある。また、この作品には監督キューブリックが隠した謎が散りばめられていると思うファンがこの映画の謎を掘り下げるだけのサイトがあったり（ちなみにそのサイトhttp://www.theoverlookhotel.com/の管理人は『トイ・ストーリー３』の監督リー・アンクリッチ）するほど人々を惹き付けて止まない。

枕が長くなってしまったが、なぜここで『シャイニング』の話をしているのかというと『ミザリー』と大きく共通していることがある。それは主人公の作家が人里離れた場所で狂気と出会うということだ。

『シャイニング』ではオーバールックホテルに滞在する小説家の一家が見舞われる恐怖を描いているが、特に主人公のジャック・トランスが段々そのホテルに憑りついている何かに徐々に精神の均衡を崩されてゆき、やがて家族すらも殺そうという狂気に駆り立てられてゆく…。

『ミザリー』では交通事故に見舞われた小説家ポールが彼のナンバーワンのファンだというアニーに救出され、人里離れた彼女の住む一軒家で彼女からの介抱を受けることになる。しかし、そのアニーは常軌を逸するほどの行動や思い込みによって小説家ポールはとんでもない目に合う。

作品名にもなっているミザリーとはポールが書く小説の主人公の名前で本のタイトルも「ミザリーの帰還」など『赤毛のアン』的な連続した物語の主人公だ。しかしポールはそのシリーズを書くことにうんざりして、最新刊にてミザリーを葬り、新しい小説を完成したばかりだった。最新刊を手に入れミザリーの死を知ったアニーは激昂！

「私のミザリーを殺すなんて！この野郎！！」

と木の椅子を壁に叩きつけたり、複雑骨折している両足に拳を振り下ろしたりと過激する愛を憎しみに変えてポールにぶつける。

ポールは確信する。目の前に狂気がいると。

『シャイニング』は小説家が外部的要因から徐々に狂気の世界へ誘われる物語だったが、『ミザリー』は小説家が狂気によって強制的に、そして狂気から逃れるために小説を書く物語だ。

■描くことができなかった要素

さて、狂気の話を続ける前に原作と映画版の比較も注目したいポイントを見て見よう。

この映画でアニーを演じたキャシー・ベイツは見事アカデミー主演女優賞を獲得したが、確かに彼女の演技を凄い。原作者キングもいたく気に入り、後の小説では彼女キャシー・ベイツの姿を念頭に書いたキャラクターもいるぐらいだ。

また、小説家ポールを演じたジェームズ・カーンの演技も見事で、ほとんどベッドに寝てるか、足を引きずっているか、痛みで喘いでいるの三つだけど、狂気に振り回されるミザリー（悲惨）な男を見事に演じている。

この映画はこのポールとアニーのやりとりが主となっているが、この二人のやり取りがとても面白い。いつ、狂気状態アニーのスイッチが入るのか、どんな行動をすればプッツンするのかがわからない感じがサスペンスになっており、そして過去彼女が犯したとほのめかされている事件が明らかになって、命の危険性が高まったりとテンションのギアを上手くチューニングすることで観客の目と脳を惹き付ける構成や話運びは原作さながら脚本も見事な脚色だ！

実は結構映画版は小説版と違っていて、これでもマイルドになっている。

映画史上に残るアニーがハンマーをポールの両足にたたきつける名場面。あれは原作ではもっと残酷で、アニーは斧で足首から下を切断する。そしてその直後に止血するために火を押し付けたりとかなり過激な行動をとっているがそれは映画版では血が出ないようにしたためか、はたまた『シャイニング』の斧と被るからなのか、ハンマーになった。結果、一度観たら忘れられない名シーンにはなったが、アニーを演じたキャリー・ベイツは原作のように斧を持てなくてガッカリしたという。

また、アニーを追い詰める保安官も原作とは設定が変わっており、そしてアニーが怪しいと勘づくキッカケが小説の中でのミザリーがいう言葉というのはとてもクレバー！心に残る、引っかかった小説の中の言葉がキーになるというのは素晴らしい脚色だ。まぁ彼のたどる結末は一緒なんだが…これも映画版だとショットガンを後ろからいきなり撃たれるが、原作だと芝刈り機で生きたまま頭から切り刻んで殺るのでよりヒドイです。

そしてどうしても映像化不可だったのは小説「ミザリー」の部分だ。実は小説では作品の中にちゃんと小説「ミザリー」の本文があり、アニーが読んだ物語が読めるのだ。そして映画ではタイプライターにＮの文字が無く、ポールが作中タイプしている紙にはＮが抜けている（例えばandだとa dに）。しかし、小説ではＮの文字が抜けているのは同じだが、アニーがＮの抜けた場所を手で書いている。ゆえに小説「ミザリー」の部分の時はＮのフォントが異なるというこだわりが面白いし、ポールとアニーの共同作業による創作という要素が高まるのだ。

さすがにこれはうまく映像に落とすのは難しかったのだろう。ただＮが抜けたタイプライターで文を打っている（ちなみに、Ｎの抜けたタイプライターはスティーブン・キングが最初の小説を書いたときに使っていたタイプライターがモデルだ）。

ただ、アニーがドン・ペリニヨンのことをドン・ペリグノンと呼ぶが、これは“Dom Pérignon”はフランス語なのに英語読みしてしまった為の言い間違いだ。この場合のフランス語はgは発音せず、gnでニュになる。アニーは補わなくていい所を補ってしまっていたのだ。

■アニーの正体

アニーは敬虔なキリスト教徒であるというところが作中で描かれているがこれはアニーが小説「ミザリー」の世界に入り込むことと密接であると私は考えている。

なぜなら彼女は物語にすがるしかないという人と描かれているからだ。

なぜ彼女の精神が不安定なのかは作中では明記されていないが、実は父親からいたずらや暴力（おそらく性的なもの）を受けていたという設定があり、それは監督ロブ・ライナーとアニー役のキャシー・ベイツは理解した上ではっきりとは明かさず、口調や振る舞い方によってそのこと内在させた演技だけにとどめていた。

宗教も一種の物語だ。神様が書いたわけじゃなく、人の心の善と悪の側面を普遍的な視点から見抜いた天才が書いた空想話で人の真実やあるべき姿を解こうとしている書物だ。

アニーの中では恐らく宗教とミザリーは同じ地平にあるものだろう。現実から逃避するためだけの道具ではなく、もっと大きな自分が現実で生きてゆく希望や光の一種であり心のバランスを保つための優しい嘘なんだろう。あまりにも過剰な演技と顔面の迫力で笑ってしまうほどなんだが、この狂気過ぎて笑ってしまうのはもはや演技の賜物だと思う。アニーの振る舞いに、ドン引きしつつも笑ってしまう。恐怖と笑いは紙一重だというが、それを同時に感じさせるのは演技という魔法でキャラクターに命を宿さねばできない。狂気に憑りつかれた者を演じるというのは役者にとって最高の名誉であり、危険な香りの内在した花を見に纏うことになる。

そして、アニーのもう一つの正体。それは、ドラッグだ。

実はこれは原作者スティーブン・キングが告白している。アニーというキャラクターは彼がこの作品を書いていた時期に感じていたドラッグに対する気持ちだと。彼曰く「アニーは私の抱えるドラッグに対しての問題の象徴なんだ。彼女は僕の一番のファンさ、そして決して放してはくれない」

およそ20年、スティーブン・キングは「ミザリー」を書いたキッカケやモチベーションの事を語らなかった。ようやく告白した内容は「アニーは私の薬物依存の象徴であり、私の身体に及ぼした影響を具現化した人物なんだ。自分は世界から断絶されたという孤独感、そしてそこから逃げようともがく苦しみのね」

■最後のひとこと

映画の最後で、ポールはこのアニーから受けた体験をもとに本を書いてみては？と言われるも恐ろしくて書けないし、今なお彼女の姿が付きまとって私を離すことはない。おそらく一生ね、と述べた後、ナンバーワンのファンを自称する女の店員が目の前に現れて映画は終わる。

前述した通り、この物語はキング自身の薬物依存問題から発展させた物語だ。キングはポールとは違って物語という力を借りて、自分の中にあったものを吐き出して、そして多くの人の心を捉えた。

小説版だとキングが自身の小説家としての気持ちを吐露しているような箇所があってそこも大変面白い。これも映画からは省かれた要素だ。

この映画は形を変えた「アラビアンナイト」でもある。面白い物語を語らないと殺されてしまう「アラビアンナイト」と、納得のいく物語を認めなければならない状況下に置かれたポールの立場は遠くない。

彼らは物語によって生命の危機を乗り切ろうとする。これは人間だけができる生きるための武器であり、特別な力だ。別にそれを大きく掲げているわけではないし、テーマでもない。けれども、根底には物語ることのできる人間の力に賛辞を送っているのは間違いない。映画の中で「ミザリー」を書くことで救われたポールと、この原作小説「ミザリー」を書いて自分の薬物問題を形にしたキング。そして物語に憑りつかれて人々に危害を加えるアニー。

物語は大きな力を持っていることを恐怖と笑いで包みこんだ傑作だ。

ぼくはシネマしぇん！

＃52『シュガー・ラッシュ：オンライン』

#51『レゴバットマン ザ・ムービー』

#50『KUBO/クボ 二本の弦の秘密』

＃49『IT / ”それ”が見えたら、終わり。』

#48『ハクソー・リッジ』

#47『メッセージ』

映画館での初体験

#46『モアナと伝説の海』

#45『ラ・ラ・ランド』

#44『ミザリー』

#51『レゴバットマンザ・ムービー』

#50『KUBO/クボ二本の弦の秘密』